La artista castellonense Estefanía Serrano, la geometría como latido natural

La línea no es solo una forma: es una idea, un camino, un tiempo que se extiende. Para la artista castellonense Estefanía Serrano (Altura, 1994), la línea es el eje desde el que construir sentido. Así lo ha demostrado en Un minuto y treinta segundos, la obra con la que ha conquistado el XXIV Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, organizado por Ámbito Cultural de El Corte Inglés. El galardón, uno de los más prestigiosos del panorama estatal, reconoce no solo la solidez técnica de la pieza, sino la coherencia de una investigación artística que entrelaza abstracción geométrica, pensamiento filosófico y una sensibilidad anclada en lo cotidiano.

Serrano, que ya había sido distinguida con premios como el Arte Emergente Interactivo Infinity Art o el Manolo Valdés, reivindica el arte como disciplina de estudio, profundidad y constancia. Lejos del gesto impulsivo o la inspiración romántica, su trabajo parte de la proporción áurea, del eco de autores como Paul Klee, Kandinsky o Tim Ingold, y de un compromiso con el territorio: desde su estudio en Altura, rodeada de una comunidad que la impulsa.

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Con esta entrevista nos asomamos a su universo, donde las líneas hablan, se cuentan, se miden... y nos invitan a mirar de nuevo.

Antes de nada, enhorabuena por este Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos - Ámbito Cultural de El Corte Inglés. ¿Qué significa para ti recibir este reconocimiento?

Me siento profundamente agradecida a la Real Academia y, especialmente, al jurado de este año por apoyar mi trabajo desde tan prestigioso premio. Sin duda es un gran paso en mi currículum y mi carrera como artista.

La obra premiada en este certamen, que ya reconoció a una artista castellonense (Ana Vernia, en 2015), es ‘Un minuto y treinta segundos’. Destaca su profundidad conceptual y madurez expresiva. ¿Podrías contar qué historia o reflexión hay detrás de ese título y de la pieza?

Es una obra perteneciente al proyecto Línea y plano sin el punto en el que estudio las relaciones existentes entre la línea geométrica y la línea natural haciendo uso de la proporción áurea. La pregunta respectiva al título de las obras es muy recurrente. Cada uno nace del tiempo que tardo en contar todas las líneas de la obra una vez ha sido terminada.

Tu práctica gira en torno a la abstracción geométrica y al estudio de la línea. ¿Cómo comenzó esta obsesión con la línea y qué lugar ocupa ahora mismo en tu proceso creativo?

Comencé a trabajar con la línea en el último curso de mi carrera e impulsada por Juan Peiró profundicé en este tema durante el Máster de Producción Artística. Cuanto más estudio el uso de la línea mayor consciencia tengo de lo poco que sé y lo mucho que queda por descubrir.

Has mencionado a Paul Klee y William Kent como referencias en tu reflexión artística. ¿Qué otras influencias (artísticas, filosóficas o incluso personales) te han llevado a investigar esta ‘dicotomía’ entre lo orgánico y lo racional?

Son muchos los artistas que han trabajado y trabajan la geometría, pero descubrí que la línea es mucho más que esto gracias a la lectura de Líneas, una breve historia de Tim Ingold. Por supuesto el estudio de Kandinsky, a quien le hace un guiño el título del proyecto, es un pilar fundamental en la investigación.

En tu trabajo hay un diálogo constante entre naturaleza y civilización. ¿Cómo logras encontrar ese equilibrio visual entre la rectitud de lo construido y la fluidez de lo natural?

Es aquí donde toma relevancia la Divina Proporción. Es un sistema de proporciones que está presente en la naturaleza. Se puede observar en el crecimiento de algunas plantas y de ciertas especies de animales, también estructura algunos de los grandes monumentos de la humanidad así como el cuerpo del hombre adulto. Incluir estos esquemas en el diseño, dota a las obras de un equilibrio y armonía visual que resulta perfecta al ojo del ser humano.

«Mi inspiración a la hora de producir mi obra, mi arte, es el día a día, y mi suerte, mi gente»

Además de este premio, tu trayectoria ya acumula otros reconocimientos importantes. ¿Qué peso tiene la visibilidad institucional en el desarrollo de una carrera artística joven?

Es fundamental el apoyo institucional en el desarrollo de nuestra carrera. Cada premio que he ganado y cada mano que me han tendido me ha llevado al siguiente escalón y por ello siempre estoy agradecida a todas las personas que me han acompañado y me acompañan en esta carrera de fondo.

Este Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos incluye una exposición individual en 2026. ¿Ya estás pensando en cómo articular ese proyecto? ¿Te gustaría seguir desarrollando esta línea de investigación o explorar otros lenguajes?

Como explicaba antes, cuanto más aprendo más sé que no sé nada, supongo que esto os sonará y es la realidad. En estos momentos estoy preparando tres exposiciones, la más cercana será en septiembre para Abierto Valencia con Galería Cuatro, después una colectiva en el CCCC y una individual en la Fundación Chirivella Soriano. Todo lo que podáis ver como mínimo en los próximos dos o tres años parte de Línea y plano sin el Punto.

Como artista castellonense, ¿sientes que tu entorno ha influido e influye en tu forma de mirar o de crear? ¿Qué papel juega el contexto local en tu obra o en tu identidad como creadora?

Recibo mucho apoyo dentro del contexto local, pues yo vivo y tengo mi estudio en Altura. Es un pueblo pequeño en número de habitantes, pero cada uno de ellos vale por mil. En cuanto a lo personal y en valores, estoy segura de que no me podrían haber tocado vecinos y compañeros de vida mejores. Me opongo a todos los firmes creyentes de la inspiración y la suerte, pero si me lo preguntas así, en privado, te diré que mi inspiración es el día a día, y mi suerte, mi gente. 

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